Che cos'è il cinema d'animazione — 70 anni di lignaggio del lungometraggio giapponese
Il cinema d'animazione giapponese ha due origini. La prima è Toei Doga, fondata nel 1956 con l'ambizione di diventare «la Disney d'Oriente». Il suo film La leggenda del serpente bianco (1958) fu il primo lungometraggio d'animazione a colori del Giappone, e fu anche l'opera che spinse un Hayao Miyazaki ancora adolescente a voler dedicarsi all'animazione. In quello studio lavorava già, come parte del team di intercalazione, Yasuo Otsuka, entrato in azienda l'anno della sua fondazione. La seconda origine è Mushi Production, la casa di produzione di Osamu Tezuka. Dopo aver consolidato il formato della serie televisiva con Astro Boy (1963), la sua gente passò col tempo al lungometraggio. Il giorno dell'uscita della versione cinematografica di Space Battleship Yamato (1977) si formarono code che passarono la notte davanti ai cinema: era la prima volta che diventava visibile su larga scala che l'animazione era diventata la cultura di un'intera generazione. Un film chiama la generazione successiva, e quella generazione forma la seguente. La storia del cinema d'animazione giapponese è l'accumulo di quella catena.
Da persona a persona — un lignaggio che si trasmette
Il direttore dell'animazione del Castello di Cagliostro (1979), l'esordio di Hayao Miyazaki come regista di lungometraggi, fu Yasuo Otsuka, suo collega fin dai tempi di Toei. Più di tre decenni dopo, un altro capitolo cinematografico dello stesso Lupin III, la serie Lupin the IIIrd, avrebbe portato la firma di Takeshi Koike. Koike è un animatore emerso da Madhouse, formatosi accanto a Yoshiaki Kawajiri, e appartiene a un lignaggio distinto da quello di Otsuka. La corrente che proviene da Toei e quella che nasce da Madhouse, erede di Mushi Production: le due origini dell'animazione giapponese si incrociano, mezzo secolo dopo, in uno stesso capitolo cinematografico di Lupin. Da parte sua, Satoshi Kon lavorò come assistente del mangaka Katsuhiro Otomo. Si fece le ossa accanto a Otomo durante gli anni di serializzazione di AKIRA e, dopo essere entrato nella produzione d'animazione con Roujin Z (1991), avrebbe esordito alla regia con Perfect Blue. In Millennium Actress ritrasse la storia stessa del cinema giapponese attraverso i ricordi di un'attrice; l'opera ricevette nel 2001 il Gran Premio della sezione Animazione del Japan Media Arts Festival, insieme a La città incantata di Hayao Miyazaki. Il percorso di Mamoru Hosoda illustra bene questo incrocio di lignaggi. Cominciò come regista a Toei Doga (oggi Toei Animation), arrivò a essere alla guida del Castello errante di Howl alla Ghibli, diresse poi La ragazza che saltava nel tempo e Summer Wars a Madhouse, e nel 2011 fondò lo Studio Chizu. Mirai (2018) fu il primo lungometraggio d'animazione giapponese al di fuori di Ghibli a concorrere per l'Oscar al miglior film d'animazione.
Verso il mondo — 1988 e 1995
Ci sono due anni che segnano il momento in cui questo lignaggio influenzò il cinema di tutto il mondo. Nel 1988, Katsuhiro Otomo diresse lui stesso l'adattamento del proprio manga AKIRA. La Neo-Tokyo che disegnò, di una densità d'animazione travolgente, colpì il pubblico straniero e resta un riferimento costante nell'immaginario fantascientifico successivo. E poi il 1995. A ottobre cominciò la trasmissione televisiva di Neon Genesis Evangelion, che divenne un fenomeno sociale e sfociò nel film The End of Evangelion (1997). A novembre uscì Ghost in the Shell, l'adattamento che Mamoru Oshii fece del manga di Masamune Shirow, che avrebbe lasciato un'impronta profonda nella fantascienza di Hollywood. Quello stesso 1995 uscì anche Toy Story, il primo lungometraggio al mondo realizzato interamente al computer. L'anno in cui l'animazione disegnata a mano raggiunse una delle sue vette fu anche l'anno in cui cominciò l'era digitale.
Il secolo digitale — Makoto Shinkai
L'autore che simboleggia quell'era digitale è Makoto Shinkai. Proveniente dal mondo dei videogiochi, Shinkai realizzò nel 2002, quasi da solo e con mezzi digitali, i circa 25 minuti di Le voci di una stella lontana, ed entrò nel cinema d'animazione dall'esterno del consueto lignaggio degli studi. Your Name (2016) superò i 25 miliardi di yen di incassi, il primo film d'animazione al di fuori di Ghibli a raggiungere quella scala. I vent'anni che vanno da un autore che cominciò a fare cinema tutto da solo fino a diventare un autore di massa sono anche i vent'anni in cui la produzione digitale arrivò a occupare il centro del cinema d'animazione.
Storyboard e libri d'arte — in quale forma sfogliare la storia
Tutta la storia precedente rimane, in forma di libro, su questo scaffale. Lo storyboard (libro di continuità) è il progetto del regista: il luogo in cui l'inquadratura, i dialoghi e i tempi sono stati fissati per la prima volta sulla carta. Letto dopo aver visto il film finito, permette di seguire ciascuna delle decisioni di messa in scena. La serie di storyboard di Makoto Shinkai (KADOKAWA) e quelli di Satoshi Kon (Fukkan.com) ne sono il miglior esempio. I libri d'arte e di fondali raccolgono in grande formato l'arte di sfondo e le immagini chiave; i libri di animazione originale (Look Back, Ghost in the Shell) registrano il tratto di matita stesso degli animatori; e le guide visive ufficiali, con materiale di ambientazione e interviste, sono una porta d'ingresso nel mondo di ciascuna opera. Di uno stesso film, a seconda della forma del libro, si vede qualcosa di diverso.
Verso una storia del cinema d'animazione che ancora non conosci
Tutti i libri di questa categoria sono edizioni originali giapponesi. Miyazaki e Ghibli, Katsuhiro Otomo ed Evangelion hanno ciascuno la propria categoria. Ciò che abbiamo riunito qui è la storia che li unisce: Satoshi Kon, Mamoru Oshii, Mamoru Hosoda, Makoto Shinkai e il lignaggio di Lupin. Settant'anni da Toei Doga: ecco una storia del cinema d'animazione che ancora non conosci.